Artiste et réalisateur, Giovanni
Albanese est né à Bari en 1955.
Diplômé en architecture à l'École polytechnique de Turin, il
vit actuellement à Rome et occupe la chaire des Arts
Décoratifs de l'Académie des Beaux-Arts de Rome.
En 2011, il était présent avec l'œuvre «Costellazione» à la
54ème Biennale de Venise au Palazzo Bianchi Michiel avec la
Fondation Pino Pascali. Dans la même année, il participe à
l’exposition “7 grandi canestri” dans la zone rouge du
centre historique d'Aquila. En décembre / février 2009/2010,
il crée l’exposition "Luci d'Artista" dans la vieille ville
de Spoleto. En mai 2011, son film "Senza arte né parte »
sort. Il est produit par Lumiere & C et Rai Cinema.
Distribué à partir de 01. En Juin / Juillet 2009, il expose
au Chelsea Art Museum de New York. Il est finaliste en 2008
et lauréat du Prix Acquisto au Premio Terna 01 pour l’Art
Contemporain. Il sort en 2003 son long métrage "A.A.A.Achille"
avec lequel il remporte le « Giffoni Film Festival ». Le
film est écrit avec Vincenzo Cerami et la musique est de
Nicola Piovani. En 2002, il reçoit le "Prix Pino Pascali
pour l’Art Contemporain". En 1996, il est invité à la XIIème
Quadriennale Nationale d’Arte à Rome. Avec « Sabbie mobili »,
il remporte en 1995 le Prix de la meilleure œuvre étrangère
à la "1ère Biennale internationale de Kamnik« en Slovénie.
Formé à l'Académie des Beaux-Arts de Rome, il fait ses débuts en Allemagne avec la galerie Tanit à Munich et à Bâle à la galerie Buchmann. Il expose comme premier artiste dans Perspective, une exposition à l'occasion d'Art Basel, Bâle, suivie de celles dans la Galerie Janine Mautsch, Köln, la Galerie Pierre Huber - Genève, la Galerie Maeght-Lelong - Paris, Galerie Edward Totah - Londres. Il participe aux « Quadriennali » de Roma de 1986 et 1996. A Milan, il expose dans les espaces de la Gallerie Guenzani et de la P.A.C. de Milan. Il continue en exposant dans d’importants musées et espaces privés: Musée d'Art Moderne, Toulouse, Kaj Forsblom Gallery - Helsinki, Centre d’Art Contemporain La Ferme du Buisson - Marne-La-Vallée, Galerie municipale d'art contemporain - Saint-Priest , Galerie Kodama - Osaka, Galerie Otto - Bologne, Galerie Alice Pauli - Lausanne, Galerie Di Meo - Paris 1996; Gentili Gallery - Florence, Café Florian - Venise, Fondazione Volume - Rome, Lorenzelli Arte - Milan, Galerie Otto -Bologne, PoliArt - Milan, le cloître - Saronno, Arte Contemporrain Marco Rossi - Milan - Vérone - Turin, Galerie Tanit - Beyrouth. En 2015, il a reçu le Prix Bugatti-Segantini pour sa carrière artistique. Et depuis 2016, il enseigne la peinture à l'Académie des Beaux-Arts de Brera, Milan. La recherche d’Arcangelo « artiste radical » est basé sur un sentiment d'appartenance, et sur le partage du patrimoine culturel, celui de la région de sannio. Il a été en mesure d'étendre et de transformer, jusqu’à comprendre les vestiges des autres lieux et des autres peuples. Dans les années 80, il réalise des œuvres, dans lesquelles le geste dépouillé et les matériaux pauvres comme terres, charbons et pigments purs transforment le paysage en une vision étonnante de la nature abstraite, mais corporelle. La Terre pour l'Artiste est un point de référence essentiel pour aller ailleurs et expérimenter les suggestions et les archétypes des lieux. Depuis les années 90, la représentation du territoire et l'amélioration de ses particularités acquièrent une dimension clairement installatrice et extrêmement soumise à sa recherche sur la couleur. En plus d'être un peintre, Arcangelo est un graveur et un sculpteur.
Né à Naples en 1954. Dans les
années soixante-dix, il a commencé à fréquenter la Galerie
de Lucio Amelio avec qui il exposera en 1979 et 1983.
Il fit de nombreux et longs voyages, attiré par l'Asie du
Sud-Est et les Amériques, qui influencèrent considérablement
sa recherche de l’esthétique.
Entre 1990 et 1992, il expose notamment à Naples avec le
Studio Scalise.
En 1989, à Ubud (Bali) au Musée Puri Lukisan. En 1990, à
Rome au A.A.M. En 1995, 1993 et 1997, au Palais des
Expositions , au Roof-garden avec Sperone. En 1996, au
“Penthouse Fabio Sargentini”, et en 2002, avec les
Rencontres Internationales d’Art au Palazzo Taverna.
En 1998, à Milan, avec le Studio Guenzani. En 1998, avec
“1000eventi”. En 2000, avec Cardi. En 2001, avec Francesca
Kaufmann. En 2004, avec Suzy Shamm. En 2010, avec Allegra
Ravizza Art Project.
En 1998, à Bologne, dans la Galerie “No Code” dont l’associé
était Lucio Dalla. En 1995, à Turin, dans la Galerie Alberto
Weber. En 1996, avec “1000eventi” et en 2001, dans la
Galerie Franco Noero . En 1996, à New York avec Sperone
Westwater.
A Londres en 1999 dans les expositions d 'art contemporain
Asprey – Jacques.En 2003, 2006 et 2009, dans la Galerie
Sprovieri. En 2001 à Turin avec Franco Noero. À Rio de
Janeiro en 2002 au Museu da Republica, Galeria Catete. En
2003, à Santiago du Chili au Musée d’Art Contemporain. En
2005, à Gateshead au Baltic Centre d'Art Contemporain.
En 2004 et en 2016, à Boston au Isabella Stewart Gardner
Museum.
En 2018, à Florence à la Benci House et dans d’autres
endroits.
Il a participé à des événements internationaux, dont la XLV
Biennale de Venise de 1993 dans l'exposition « I love you
more than my own death” » section Slittamenti, organisée par
Christian Leigh et Pedro Almodóvar, à la Biennale de
Valencia en 2001, organisée par Achille Bonito Oliva et
Peter Greenaway, "El cuerpo del arte", dans le Couvent del
Carmen et à la V Biennale Internationale de l’Art à La Paz
en 2007.
Il est présent dans la collection “Camera dei Deputati”, au
Ministère des Affaires Etrangères et dans plusieurs
collections internationales publiques et privées.
Anna Caruso est née à Cernusco sul Naviglio (MI) en 1980. Elle a étudié la peinture et la restauration à l'Académie des Beaux-Arts de Bergame, où elle a obtenu son diplôme en 2004. Elle travaille avec des galeries italiennes et étrangères, notamment avec le Studio d’Art Cannaviello à Milan, Anna Marra à Rome et la Thomas Masters Gallery à Chicago. Le travail d'Anna Caruso tourne autour du dialogue entre l'espace physique et la mémoire, établissant des trames de peinture allant des études de physique quantique aux concepts philosophiques du vide et d'être. Ses plus récentes expositions sont “Sei se ricordi”, par Lorenzo Respi auprès d’Anna Marra Contemporanea ; « Sillabari de Goffredo Parise », organisée en 2016 par Flavio Arensi au Studio d’Art Cannaviello à Milan; “L’orizzonte degli eventi”, en 2014, dans la Galeria Interno 18 de Crémone. En 2017, elle crée une œuvre publique pour la Citadelle des collections de Milan et travaille au projet d'édition « Zona » des Editions Utopia. Elle est finaliste en 2016 au Prix Arte Laguna et participe au collectif «Short stories» au Thomas Masters Gallery de Chicago En 2015, elle est invitée à la 5ème édition du Prix Fabbri « Un secolo di Amarena ». Elle remporte en 2014 le Prix Spécial «Gioco del Lotto » au VII Talent Prize et, est dans les finalistes du Prix Lissone 2014, du Prix Terna 06. En 2013, elle est finaliste au Prix Arte Mondadori, au IV Prix Combat et au Prix Bonatto Minella. Elle vit et travaille à Milan.
Tommaso Cascella est né à Rome en 1951. Son nom est lié à l'art depuis des générations. Il est sculpteur, peintre, graveur et aussi poète. Il vit et travaille entre Bomarzo et Rome. La peinture et la sculpture sont ses langues naturelles, fruits d'un héritage pluri générationnel. Sa peinture penche en faveur d’ une transposition tridimensionnelle, en symbiose avec son travail de sculpture du bronze. Les extraordinaires compositions chromatiques de Cascella sont de véritables et propres architectures parsemées de symboles, presque un alphabet alchimique chargé de significations universelles. La peinture et la sculpture sont considérées comme un désir de contaminer la vue avec le toucher, la surface lisse de la couleur avec une stratification de gestes et de signes, le plan idéal de peinture avec de nombreux inserts de matières. La poésie pour Tommaso Cascella représente le déclic de la créativité. En fait, si sa première exposition à la Galerie de Luigi De Ambrogi à Milan date de 1985, sa première activité intégrant la culture remonte à 1981 et concerne le magazine de l'art et de la poésie “Cervo Volante”, avec comme directeurs Adriano Spatola, Edoardo Sanguineti Achille Bonito Oliva.
Le peintre italien Aldo Damioli est né en 1952 à Milan, la ville où il réside et travaille. Il a participé à de nombreuses et importantes expositions en Italie et à l'étranger, notamment en 2001 à la Galerie d'Art Moderne de Bologne, en 2002, au Musée d'Art Moderne de Budapest. Depuis 2005, il a exposé dans les Galeries d’Art Spirale de Milan, Vérone et Monza . En 2005, il participe à « Fuori tema Italian feeling, XIV Quadriennale », au Musée des Beaux-Arts de Rome et, en 2006 à l'Ironica. Somptueux et glaçants, les points de vue de Damioli remettent en question les sens communs de la vue et de l'orientation: un engagement dans le décor et le montage qui produit un environnement en attente d'actions et de véritables protagonistes. Depuis 1992, Damioli travaille à consolider ce choix de style reconnaissable et très personnel.
Ulrich Egger est né en 1959 à San Valentino alla Muta dans la province de Bolzano. Il vit actuellement à Merano. De 1981 à 1986, il a fréquenté l'Académie des Beaux-Arts de Florence et s’est diplômé dans la section sculpture. Parallèlement à la sculpture, il s'intéresse rapidement à la photographie et, ses clichés avec des matières industrielles rencontrent un vif succès. Ces derniers représentent tantôt des paysages industriels et urbains, tantôt des bâtiments, des intérieurs et des façades en état d’abandon. La technique consiste à utiliser différents matériaux, tels que l'acier, le fer, le bois et le verre et les unir à la photographie. Le fil rouge est l'interprétation et la confirmation des limites du monde urbain. Les œuvres transmettent au spectateur la présence de traces évidentes de bâtiments, de maisons chargées de souvenirs et d’histoires du passé qui survivent malgré tout. Le plus curieux c’est de constater l'absence de la figure humaine dans ses anciennes œuvres alors que dans les plus récentes, elle est représentée sous ses formes les plus diverses.
Massimiliano Galliani est né à
Montecchio Emilia le 6 Août 1983.
En 2008, il se diplôme à l'Accademia de Brera (Milan).
Jusqu'en 2014, il se consacre entièrement à la vidéo et à
partir de 2015, il se dédie à la peinture et au dessin et
parallèlement met fin à l'art-vidéo avec une œuvre réalisée
auprès du maître Luigi Ontani.
Après une étude détaillée sur les craquelures de la Joconde,
il expose ses œuvres dans différents endroits d’ Italie et à
l’international.
Il se lance ensuite dans des travaux liés à d'autres chefs-d'œuvre
du passé. L'année suivante, son observation l’amène à
interpréter le reflet des corps et des objets sur la toile
noire.
De 2015 à aujourd'hui, il expose ses peintures dans des
lieux tels la synagogue de Reggio Emilia, l'EX¨PO de Venise;
la Casa del Rigoletto, la Wop art disegno de Lugano. En ce
moment, l'artiste a commencé à pénétrer de plus en plus
intensément le papier, montrant au spectateur les signes
infinis de la nature aspirant à la liberté.
Omar Galliani est né à
Montecchio Emilia en 1954. Après avoir obtenu son diplôme à
l'Académie des Beaux-Arts de Bologne et effectué des
expériences dans l’art conceptuel dans les années 70, il
figure dans le début des années 80 parmi les des
personnalités éminentes du groupe d’ anachronistes.
Dans son art, on fait référence à une citation classique qui
a comme modèle le conceptualisme cultivé et raffiné de
Giulio Paolini, mais qui, d’autre part, présente également
un penchant pour la poésie intime d'un langage naturel fait
de matériaux purs, tels que les feutres de Joseph Beuys ou
les pierres de Giovanni Anselmo.
En 1985, il expose dans les musées d'art contemporain de
Francfort, Berlin, Hanovre et Vienne à l'occasion du
"1960-1985 Aspekte der Italienischen Kunst", organisé par
Peter Weiermair. En 2003, il est invité à la Ière Biennale
de Prague et à la Ière Biennale de Pékin avec l'oeuvre «
Breve Storia del Tempo », où il remporte le premier prix.
Invités par les plus importants musées et institutions, il
organise des expositions à travers le monde entier. Ces
dernières années, il a également présenté ses oeuvres au PAC
à Milan, à la Fondation Querini Stampalia à Venise et au
Palais des Offices à Florence. Il a également participé au
58eme Festival Puccini à Torre del Lago avec l'installation
du "Grande disegno italiano" et s'est rendu à Londres à
l'occasion de l'exposition des collections d'art
contemporain de la Farnesina à l'Institut culturel italien.
En 2013, inauguration de « Face and Soul » au Musée
historique national de Moscou, en 2014, l'exposition «
L'opera al nero » au GAM à Turin, en 2015 une importante
exposition illustrant ses relations avec l'Orient au CAMeC
de La Spezia et en 2016, un site spécifique "Pour Teresa" à
l'intérieur du Petit Temple « del Bramante » à Rome. La même
année , il reçut le titre académique de l'Université de Roma
Tre et le prix international Franco Cuomo, section
artistique. En 2018, il réalise à la « Gallerie d'Italia » à
Milan une exposition liée au Caravage.
Il est professeur de peinture à l'Académie des Beaux-Arts de
Brera.
Giuseppe Gallo est né à Rogliano (CS) en 1954. C'est en 1976 qu'il s'installa à Rome et la même année, il inaugura sa première exposition à la Galleria Ferro di Cavallo. En 1977, il emménagea dans le quartier de San Lorenzo dans l'ancien Pastificio Cerere où il débute sa carrière artistique, avec notamment l'exposition "Ateliers" (1984), organisée par Achille Bonito Oliva, il établira ce qui sera plus tard défini comme la Nouvelle Ecole Romaine . En 1979, il accédera à l'international avec le collectif Europa '79 à Stuttgart et avec une exposition à la Galerie Ivonne Lambert à Paris. En 1986, Giuseppe Gallo participe à la XI Esposizione Quadriennale Nazionale d'Arte à Rome et, pour la première fois, il est appelé, à la "Biennale de Venise" dans la section "Art et Alchimie", organisée par Arturo Schwarz. En 1990, il participe à la XLIV Biennale de Venise - intitulée "Dimensione futuro". L'artista et lo spazio", organisée par Giovanni Carandente - avec une salle à l'intérieur du pavillon italien. Au cours des années se sont succédées de nombreuses expositions en Italie et à l'étranger. Les œuvres de Giuseppe Gallo font partie de plusieurs collections publiques.
Paolo Grassino est professeur de l'école de sculpture de l'Académie des Beaux-Arts de Palerme depuis 2016. Parmi ses expositions les plus fameuses, citons les plus récentes, à la Casa Fiat de Cultura à Belo Horizonte au Brésil (2017), au Musée Parkview à Pékin et à Singapour et , « Magazzinoscuro » à Liss MAC 2015. En 2013, il a publié un livre aux éditions Skira qui rassemble les œuvres les plus importantes de 1992 à 2012 et qui a été présenté lors de l'exposition “Percorso in tre atti” dans les espaces du Centre d’Art Contemporain Luigi Pecci à Milan . Toujours en 2013, l'IIC de Madrid lui a consacré une exposition et Phillip Van den Bossche l'invite à l'édition 2012 de Beaufort 04-Triennal de d'Art Contemporain au bord de la mer à Ostende. En 2011, Luca Massimo Barbero lui a attribué une salle pour exposer au MACRO à Rome et, la même année, il participe à la quatrième Biennale de Moscou. Il expose dans des musées publics internationaux tels que le Frost Art Museum de Miami et le Loft Project ETAGI de Saint-Pétersbourg. En 2010, l’exposition rétrospective au Castello di Rivalta (TO). En 2009, sa participation à «Essential Experience» au musée RICE à Palerme. En 2008, il expose en France au Musée de Saint-Etienne et, la même année, il est invité à la XV Quadriennale d'Art à Rome. En 2005, la grande exposition "Armilla" sur la façade de la Fondation Palazzo Bricherasio à Turin, tandis qu'en 2000, le GAM de Turin lui a consacré une « Mostra ».
Riccardo Gusmaroli est né à
Vérone en 1963, vit et travaille à Milan.
Son travail est de la poésie visuelle, composée de délicats
origami orientaux comme une allégorie des courants
océaniques. Le désir de l'artiste de bouleverser les
paramètres objectifs de mesure de l'espace, d'immerger le
spectateur dans une dimension perceptuelle exempte de
conditionnement culturel, réactive la représentation
esthétique avec cette répétition de modules, nés de simples
pliage, capable de créer des situations visuelles d’extrême
délicatesses. L'exploration humaine des nouveaux territoires
est idéalement représentée comme une errance elliptique et
en spirale dans les méandres de l'imagination et du
psychisme; les petits bateaux en papier sont des métaphores
qui traversent la toile dans une nouvelle dimension
énergisante et vibrante.
Elio Marchegiani est né à
Syracuse en 1929. Il vit actuellement à Pianoro, dans la
province de Bologne. En 1959, il a participé au VIIIe
quadriennale de Rome. À Florence, il fit partie du Groupe
70. En 1966, il exposa à la Galerie Apollinaire de Milan et
à l'Obélisque de Rome. Depuis 1969, il enseigna à l'Académie
des Beaux-Arts d'Urbino où il obtiendra la Chaire de
Peinture et de 1983 à 1988, il dirigera cette Académie. Ses
œuvres sont liées aux langages artistiques des plus
innovants : de la programmation cinétique à la vision pop,
des pneus (1970) aux Grammages de couleur (1973). Les œuvres,
composées de cristaux et de verres dichroïques,
appartiennent aux années quatre-vingt et quatre-vingt-dix.
Au cours des deux dernières décennies, son activité s’ est
principalement orientée vers des réalisations
tridimensionnelles et environnementales.
Médaille d'or à la Biennale de Saint-Marin en 1967, il a été
invité aux Biennales de Venise de 1968, 1972 et 1986. En
1998, la Municipalité de Livourne lui a dédié au Musée
Fattori, la première anthologie et en 2017, à l'occasion des
50 années de l'Académie d'Urbino, ses oeuvres ont été
exposées dans la maison natale de Raphaël.
Matteo Negri est né à San Donato Milanese (MI) en 1982. Diplômé en sculpture à l'Académie des Beaux-Arts de Brera, l'artiste a travaillé depuis 2003 avec de nombreuses galeries en Italie et à l'étranger ( Paris, Londres et Berlin), faisant de nombreuses expositions dans des espaces publics et privés. Sa recherche artistique se concentre sur l'utilisation de matériaux plastiques qu’il travaille de manière éclectique, passant de la pierre à la céramique et à la résine, utilisant les couleurs pop comme instruments expressifs pa r excellence. Après une brève recherche sur les moteurs à injection récupérés, l'artiste émerge grâce à une série de mines sous-marines en céramique émaillée, aux couleurs typiquement pop qui les rendent extrêmement lumineuses. Les bombes finissent ainsi par ressembler à des étranges bijoux, qui fascinent par leur forme et leur couleur, en faisant oublier la violence inhérente de leur fonction. Mais cette scission entre la forme et le contenu, rappelle quelques-uns des mécanismes de la rhétorique pop, qui, entre la reproduction gigantesque des objets, déplace l’attention du spectateur de sa destination originelle d’utilisation vers son aspect esthétique, Après la série consacrée aux mines, l'artiste crée un nouveau cycle d'œuvres qui ont comme protagoniste le Lego, la petite brique colorée bien connue. Elle assume le rôle d'archétype de la créativité pour la possibilité de construire et créer, propre à l’objet (le lego), et pour le changement des valeurs acquises, devenant un objet artistique. Par des modifications et des manipulations, le Lego cesse d'être une forme et devient une métaphore de la subjectivité (le Moi). Matteo Negri vit et travaille à Milan (Italie).
Gianni Piacentino se fait connaitre au milieu des années soixante en créant des prototypes de véhicules réalisés avec des matériaux industriels, des sculptures de formes géométriques basiques en bois stratifié et peint. Il développe ainsi une nouvelle forme originale de peinture. Ses œuvres ont été largement exposées en Europe depuis 1966 dans des espaces publics tels que le Palais des Beaux-Arts à Bruxelles (Belgique), au Centre d’ Art Reine Sophie à Madrid (Espagne), la Galerie d'Art Moderne à Bologne et le Palais des Expositions à Rome, le National Galerie à Berlin, Gesellschaft für Aktuelle Kunst à Brême et le Museum am Ostwall à Dortmund (Allemagne), PS1 à New York, ainsi que de nombreuses galeries privées comme la Galerie Sperone et la Galerie C. Stein à Turin, Galerie Toselli à Milan, Lia Rumma à Naples. Ses productions font parties des collections permanentes de la Galerie d'art moderne de Turin et du musée de Reggio Emilia, du Power Institute of Fine Arts de Sidney (Australie), de la National Galerie de Berlin et du Neuen Museums Weserburg de Brême (Allemagne) . Il vit et travaille à Turin.
Roberto Pugliese est né en 1982 à Naples, où il a effectué un cours d'études musicales au conservatoire de San Pietro a Majella. En 2008, il complète ses études avec une thèse de trois ans sur le thème de la musique électronique. Plus tard, il obtint un poste d'enseignant dans le même conservatoire en développant les systèmes de musique numérique, un laboratoire électroacoustique et informatique et l'informatique musicale. Parallèlement, il continua sa carrière de musicien et de « créateur » d'installations sonores. Depuis, deux grands intérêts l’absorbent, l'art sonore ainsi que l'art cinétique et programmé. L'artiste a en effet inventé des dispositifs mécaniques pilotés par un logiciel, lui-même conditionné par l'environnement et le destinataire / récepteur. Dans ce contexte, Robert Pugliese s’interroge sur les processus perceptifs par lesquels le psychisme réagit aux stimulations acoustiques, sans pour autant négliger l’aspect visuel, esthétique et le contenu, tout en introduisant également des réflexions sur l'existence humaine et l'écologie. Il vit et travaille à Bari où il occupe la chaire de multimédia au Conservatoire.
Née en 1951, Rosa Maria Rinaldi vit et travaille à Milan. Avec un diplôme en littérature et philosophie et une thèse en histoire de l'art, sa carrière artistique depuis 1995 s’est révélée .Aujourd'hui, elle est une artiste reconnue au niveau international: dans ses œuvres, elle utilise des techniques de peinture dans lesquelles la forme est obtenue par l’utilisation de la couleur. Tout signe primitif ou contemporain qui manifeste la spontanéité du geste, de la couleur, de la composition, devient une référence pour la création de ses œuvres. Dans ses productions, la couleur et les dessins sont en libre équilibre. Des vols, des danses, des mouvements, des sauts, et des courses traversent les toiles sur fond rouge, violet et rose, vert printemps, jaune doré.
Giampaolo Truffa est un artiste
ardent qui préfère dans ses œuvres la simplicité, capable de
variations complexes dans la candeur de sa technique. Les
figures représentées, généralement dans les tons blancs, se
détachent comme des nuages d'un fond monochrome et donnent
presque l'impression tactile d'un bas-relief. Dans ses
toiles, on respire un air serein, équilibré, capable de
faire retourner enfant le spectateur, qui se sent ainsi en
sécurité, dans un monde familier et rassurant où tout semble
encore possible. Ses expositions incluent: : “Nuvole e Sogni”,
Galleria Giampiero Biasutti – Torino (2018), “New fly zone”,
Galleria Toselli – Milano (2011), Università Bocconi –
Milano (2009), The White Gallery – Milano (2009), Galleria
Duet Art avec Bonomo Faita – Varese (2009), Galleria The
Corridor – Reykjavik – Islanda (2006).
L'artiste, né en 1947 à Pont Canavese dans la province de
Turin, vit et travaille à Cuggiono (MI).
Fils du peintre Renato Vernizzi, Luca Vernizzi est né en 1941 à S. Margherita (Ligure). Il a fait des études classiques et artistiques. Après quatre années en tant que critique d'art au « Corriere della Sera » comme adjoint de Leonardo Borgese en 1968, il débute sa carrière avec une exposition à la Galerie Pagani Via Brera à Milan, présentée par Emilio Radius qui l’a découvert. En 1975, on lui organise une grande « exhibition » au Musée d'Art Moderne de Saarbrucken et dans la même année, jusqu'en 2013 il est nommé professeur à l'Académie de Brera à Milan. En 1979, avec le patronage de la municipalité de Milan, il expose l'œuvre «La vita dell'uomo» à l'Arengario et à partir de 1981, à la Galerie Cortina, un recueil de portraits de gens célèbres, dont Giorgio Armani, Michele Alboreto, Riccardo Bacchelli, Pietro Barilla, Alberto Bevilacqua, Enzo Biagi, Valentino Bompiani, Dino Buzzati, Emerson Fittipaldi, Alberto Lattuada , Mino Maccari, Giulietta Masina, Eugenio Montale, Ruggero Orlando, Edilio Rusconi, Luciana Savignano, Giulietta Simionato, Mario Tobias, Umberto Veronesi. Depuis 1988, il fait partie des artistes de la « Compagnia del Disegno » à Milan, où en 1992, Giovanni Testori l'a présenté dans un catalogue. Parmi ses autres expositions: la Galerie Nationale Ataturk à Ankara (1995), les collections impériales de la Cité Interdite de Pékin (1996), le Centre Culturel Borges de Buenos Aires (2004). En 2011, il a réalisé un monument dédié à Jean-Paul II au Sanctuaire du Divino Amore à Rome et a exposé Caravaggio à la 54e Biennale de Venise. Enfin, en 2016, au Palais de la Triennale à Milano , il a organisé une exposition "L'inerenza e l'altrove".
Dany Vescovi est né à Milan en 1969 où actuellement il vit et travaille. Il a commencé très tôt à étudier la peinture pour ensuite passé à la pratique avec Alvaro Monnini et à l'Académie de Brera où maintenant il enseigne. Il fut l'assistant d'Aldo Mondino pour le montage de la salle qui lui fut dédiée durant la Biennale de 1993. Il a réalisé de nombreuses expositions individuelles et collectives en Italie et aussi à l'étranger. Dany Vescovi a démontré au cours des années un esprit très ouvert dans différents domaines . En plus d'importantes collaborations transversales avec d'autres artistes (en 1990, il a participé à la création d'une peinture murale conçue par Marcello Jori), il a approché le théâtre (en 1994 il s'est occupé des costumes dessinés par Romeo Gigli pour la "Flûte enchantée"), la mode (en 1991, il a suivi la "Levi's Frontière" - Les jeans à travers la mode, l'art et le design à la Posteria de Milan), la publicité (en 2003/2004, il fut sélectionné pour "Free Spirit dans l'Art", campagne publicitaire pour Bacardi Breezer), la littérature (Aldo Busi a choisi une de ses toiles pour la couverture de son dernier livre) et la musique (en 2004, Audiorama l'a impliqué dans la réalisation du clip et la couverture de leur CD).